По данным IMDb, сборы картины о психически нездоровом клоуне-маньяке на данный момент составляют 1 016 599 593 долларов США (в России его заработок давно перевалил за миллиард рублей).

Режиссёр уже отметил знаменательное достижение постом в Instagram, поблагодарив зрителей и поклонников.

Первоисточник: https://rg.ru/2019/11/17/oficialno-sbory-dzhokera-prevysili-milliard-dollarov.html?fbclid=IwAR0rNGWE4La8EOnnIQvxPRVyqn_46zBqPvtG7hLox0yY2v2eoepgtyGn6eo.

Во время премьеры были зафиксированы инциденты, сообщает The Associated Press. В Нью-Йорке полицией был задержан молодой человек, который громко аплодировал убийствам на экране и кричал проклятия в адрес некоторых людей, направлявшихся к выходу в переполненном кинотеатре на Таймс-сквер.

Другие посетители опасались человека, который плевал в них, когда они уходили раньше с просмотра, сказал Натанаэль Худ, который был в зале. "Я был напуган. Я уверен, что многие другие люди были напуганы", - сказал Худ в интервью АР. Молодой человек, присутствовавший на дневном просмотре "Джокера" в AMC Empire 25 на Таймс-сквер, сказал, что обстановка в зале резко поменялась, когда действие на экране стало интенсивным.

"Примерно в середине фильма, когда Джокер начал убивать людей и рассказывать о том, что общество является злом, парень начал кричать очень громко и непрерывно хохотать в течение целой минуты. Люди сказали ему, чтобы он заткнулся, но он продолжал хлопать и кричать, как сумасшедший", - сказал Худ. "Наконец пришла охрана и схватила его. Когда мы вышли, его все еще допрашивали возле кинотеатра, где собралось много полицейских", - сказал очевидец. Другой кинозритель, Этай Бенсон, сказал, что в начале фильма рядом с ним сидел неадекватный человек, который имел при себе бутылку алкоголя и постоянно пил из нее. "Поведение человека в сочетании с происходящей на экране бойней заставило людей нервничать", - сказал он. "Скорее всего, это был безобидный пьяный парень, но вся нервозность, возникшая вокруг фильма, сделала то, что произошло вечером в пятницу, действительно тревожащим", - сказал Бенсон.

Пользователи социальных сетей тем временем размещают фотографии полицейских, сотрудников служб безопасности, кинологов и объявлений о необходимости соблюдения безопасности в кинотеатрах в Калифорнии и Флориде. А в Теннесси кинотеатр запретил кинозрителям носить костюмы "Джокера". Владелец заведения Дэнни Уорден разместил в Facebook предупреждение о том, что любой, кто наденет костюм или маску для просмотра "Джокера", не будет допущен в зал, а тот, кто пронесет их тайно в кинотеатр будет выведен из помещения. Уорден сказал WJHL-TV, что решение проникнуто "здравым смыслом" после того, как фильм вызвал опасения по поводу его насильственного содержания.

Фильм Warner Bros., снятый Тоддом Филлипсом, рассказывает о предыстории человека, ставшего классическим врагом Бэтмена. Филлипс надеется, что его фильм вдохновит дискуссии об оружии, насилии и обращении с ним людьми с психическими заболеваниями. Однако противники показа "Джокера" уверяют, что фильм сам может спровоцировать насилие, особенно после массовой стрельбы, в которой погибло 12 человек в кинотеатре в Колорадо во время показа другого фильма о Бэтмене в 2012 году. Напомним, что ранее близкие жертв этой бойни потребовали от американских властей запретить прокат фильма в США.

Первоисточник: https://rg.ru/2019/10/06/obstanovka-na-pokazah-dzhokera-v-ssha-zastavliaet-zritelej-nervnichat.html?fbclid=IwAR3A6sMjPBVvmxkfJvtfgooKkinUC-Ys7KmrFRT1zrRgpj7fON0PDot6Lcg. 

Жизнь каждого из нас продиктована выбором. Кому-то выбор навязывают, кто-то идет на компромисс с самим собой или с окружающим, а кто-то более удачлив и в состоянии самостоятельно сделать выбор. Вся наша жизнь состоит из развилок, ступив на которые, чаще всего, невозможно повернуть обратно. Кшиштоф Занусси снял в 1973 году «Иллюминацию» - фильм о развилках.

Франтишек Ратман поступает на физико-математический факультет Варшавского университета. Он ведет обычную студенческую жизнь, но знакомится с Малгожатой. Беременность Малгожаты заставляет молодого человека взять академический отпуск и устроится на работу. Франтишек может вернуться к обучению, но в его голову закладываются сомнения о своей специальности…

Фильм начинается с рассуждения пожилого философа о понятии «иллюминации» и способах ее достижения (см. сокращенную цитату в эпиграфе). Этот фильм показывает поиски главным героем своей личной «иллюминации». В отличие от Витольда из «Константы», Франтишек показан обычным человеком, не имеющим стойкой жизненной позиции.

В молодости Кшиштоф Занусси учился какое-то время на физическом факультете, поэтому в двух увиденных мной фильмах Зануссии присутствует тематика точных наук. В «Иллюминации» физика показана в качестве частично ошибочного выбора личной «иллюминации» Франтишека – он пошел изучать физику, чтобы всегда иметь дело только с определенными вещами. Но цитируя одну известную поговорку: «нет никаких точных вещей, кроме смерти и налогов».

Несмотря на общепринятое декларирование физики, как точной науки, в ней, как и в любой сфере жизни и науки, есть множество неопределенных вещей. Начиная с выбора специализации, местом физики в современной жизни, ответственности за некоторые открытия, отпущенном сроке для достижения высот – ничто не позволит воспользоваться мнимым костылем определенности.

Кшиштоф Занусси напоминает зрителю о том, что у каждого человека кроме профессиональной, есть и личная сфера жизни, и именно в ней люди чаще всего натыкаются на развилки. Неожиданная беременность Малгожаты полностью ломает костыль определенности Франтишека и заставляет его сделать первый серьезный выбор. Получив впервые в жизни настоящую ответственность, Франтишек находится в раздумье – вернуться ли к науке или начать трудовую деятельность? На этой развилке он видит множество возможных вариантов развития своей дальнейшей жизни. В один момент он даже видит возможность полностью отдалиться от внешнего мира и стать отшельником.

Иной тематикой данного фильма является смерть, приходящая неожиданно. Большинство из нас любят откладывать важные решения на потом, думая, что у нас еще осталось много времени. Кшиштоф Занусси не согласен с этим, поскольку умереть можно и в 20 лет, и в любой иной возраст. Поэтому, по мнению режиссера, нельзя пытаться «пребывать в прострации», ибо жизнь может оборваться в любую минуту.

В конце концов, Франтишек сделает выбор, но только достиг ли он «иллюминации»? Кшиштоф Занусси считает, что на этот вопрос должен ответить не он, а сам зритель. Как и «Константа», «Иллюминация» получилась фильмом, вопросы которого никогда не утратят своей актуальности. Рекомендую посмотреть «Иллюминацию» в паре со «Случаем» Кшиштофа Кесьлевского.

Я являюсь большим поклонником оригинального «Трейнспоттинга» и поэтому новость о продолжении вызвала и радость, и сомнения. Но увидев информацию о выходе «Трейнспоттинга» в российский прокат, я незамедлительно пошел в ближайший кинотеатр.

Через двадцать лет Марк Рентон решает вернуться в Эдинбург. В это же время, Больной промышляет сутенерством и шантажом, Картофан продолжает сидеть на героине, а Бегби сбегает из тюрьмы. Рентон встречается с Больным и у них созревает очередной бизнес-план – переделать паб в сауну (т.е. бордель)…

В отличие от большинства фильмов про наркоманов, первый «Трейнспоттинг» был не драмой, а черной комедией. Благодаря этому, первый «Трейнспоттинг» получился запоминающимся и прикольным. В свою очередь, второй «Трейнспоттинг» получился трагикомедией про кучку неудачников.

Обе части «Трейнспоттинга» рассказывают про различные исторические эпохи. Действие первой части происходит в эпоху тэтчеризма, действие второй части происходит в эпоху глобализации и политкорректности. Обе эти эпохи имеют одну общую черту – они оставляют много людей за бортом перемен. В случае с Великобританией, за бортом оказался практически весь регион – Шотландия.

Что делают большинство людей, оказавшихся за бортом перемен? Они пытаются найти утешение в искусственных суррогатах жизни. В первой части таким суррогатом выступили наркотики, во второй части – побег в прошлое. Герои фильма постоянно вспоминают о футбольных легендах Шотландии, слушают старую музыку, а в одном пабе можно покричать о своей ненависти к католикам, ибо нынешнее политкорректное общество более не терпит никакой нетерпимости.

В первой части главные герои были молодыми и имели какие-то надежды на будущее, во второй части они уже потасканные жизнью люди среднего возраста. Ни один из них ничего не добился в жизни, но они пытаются скрыть самообманом свою никчемность. Но первое столкновение с реальным миром расставляет все на свои места для «полных неудачников». При этом, как и в первой части, немного удачи перепадет самому неожиданному персонажу.

Дэнни Бойл вернулся к своему культовому фильму и снял ностальгический фильм про повзрослевших героев. Он ни капли не испортил свое оригинальное творение, он смог снять отдельный фильм про иную историческую эпоху. И в случае со вторым «Трейнспоттингом» слово ностальгия носит исключительно негативный оттенок.

Поклонники оригинального «Трейнспоттинга» - срочно смотрите этот фильм, если еще не успели.

Мой первый просмотр «Славных парней» состоялся в 13 лет и честно Вам признаюсь – я был без ума от этого фильма. Я впадал в экстаз от фразы, произнесенной Генри Хиллом: «Для меня быть гангстером было лучше, чем быть Президентом США». В том возрасте я списывал его финальную неудачу на то, что надо было слушать старших. К счастью, в 2017 году я уже могу посмотреть этот фильм, не испытывая прошлого щенячьего восторга от «крутизны» главных героев. Сюжет этого фильма известен практически всем, поэтому я не буду тратить Ваше время на описание…

 Американское кино часто обвиняют в романтизации мафии, но это мнение обусловлено скорее всего впечатлениями восторженных подростков. Но нужно признать, что в отличие от итальянского, американское кино более сдержано относилось к мафии. Этому есть ряд объективных причин, связанных с большей «законопослушностью» итало-американских гангстеров. В отличие от сицилийцев, итало-американцы практически не занимались терроризмом, похищением заложников и убийством судей и полицейских.

Мартин Скорсезе изображает историю американской мафии с 1955 по 1980 год. В отличие от показывающего верхушку мафиозной семьи «Крестного отца», «Славные парни» показывают работу низов одной мафиозной семьи. Автор делает особый акцент на жизни и работе «соучастников» - бандитов, которых еще даже не приняли в «семью». Мартин Скорсезе развенчивает все мифы о «воровской чести» и семейной  сплоченности. В их мире убийство является обыденном делом, оно является более простым способом, чем даже поделиться награбленным с соучастником.

Большинство экспертов и историков мафии считают, что наркоторговля стало началом конца американской мафии. Режиссер согласен с этим и показывает то, как из-за наркоторговли рушится главная составляющая мафии – закон молчания (омерта). Мафиози старой формации Поли предупреждал Генри об опасности наркоторговли, но большие деньги похоронили всякую видимость «семейных связей». Ведь когда на горизонте маячит пожизненное заключение, омерта отходит на второй план.

Мартин Скорсезе не занимается дешевым морализаторством и это является одним из главных плюсов этого фильма. Автор не показывает нам раскаяние главного героя или как он понял неверность своего жизненного пути. Генри Хилл честно рассказывает зрителю о том, как он скучает по прежней жизни и мечтает снова пойти по легкому пути. Поэтому эта история выглядит намного более правдоподобной, чем большинство псевдоморализаторских историй о раскаявшихся героях.

Подытоживая, сейчас «Славные парни» также смотрятся, как очень хороший фильм с отличным саудтреком, хорошей игрой актеров и качественно переданной атмосферой данной эпохи. Самое главное – этот фильм хорошо показывает мнимость большинства стереотипов о мафии. Рекомендую посмотреть «Славных парней», но это нужно делать в более-менее осознанном возрасте.

Милош Форман является одним из немногих европейских режиссеров, сумевших успешно снимать в Америке. Что еще более поразительно, что он являлся выходцем из социалистической Чехословакии и, несмотря на это, Милош Форман снимал прекрасные фильмы и в Чехословакии, и в Америке.

Петра устраивают «по блату» контролером в большой пражский продуктовый магазин. Его родители считают эту работу пределом мечтаний, но Петр смотрит на мир немного другими глазами…

Когда мы были подростками, большинство из нас мечтало стать космонавтами, актерами, художниками, кинорежиссерами или еще кем-то. Но, как известно, «мечтать не вредно». Кому-то выкрутили руки, кому-то доходчиво объяснили, кто-то сам пришел к выводу о несбыточности своей мечты. Несмотря на это, почти все мы иногда вспоминаем то, как мы отправились учиться на юристов-экономистов и думаем: «А может все-таки имело смысл пойти за своей мечтой?»

Милош Форман рисует конфликт между познавшими войну родителями и «заевшимися» детьми первого послевоенного поколения. Дети мечтают о большем, чем о простой сытой потребительской жизни, о которой мечтали их голодные родители. Но главная проблема молодых людей – большинство из них не знает точно, чего они хотят.

Как и сейчас, в 1960е молодежь занимается обычными вещами: гуляет, танцует, влюбляется, конфликтует с хулиганами. Милош Форман не пытается обличить молодежь за отсутствие моральных и профессиональных ориентиров, он сочувственно наблюдает за злоключениями Петра и его друзей.

Многие говорят, что истинно хорошее произведение никогда не устаревает. Эти слова особенно подходят к этому фильму. Смотря этот фильм, многие из нас вспомнят себя или своих знакомых. Конечно, сейчас работа в продуктовом магазине не считается престижной, но содержание конфликта отцов и детей ни капли не поменялось.

Рекомендую посмотреть.

Сегодня мне посчастливилось сходить на встречу с Кшиштофом Занусси. Честно признаюсь, до сегодняшнего дня я не смотрел ни одного его фильма, но перед встречей я прочитал его новую книгу «Как нам жить? Мои стратегии». На страницах книги перед нашими глазами предстает умный, скромный и ироничный человек и живой Кшиштоф Занусси полностью соответствует этому портрету. После встречи нас ждал еще один приятный сюрприз – просмотр отреставрированной версии «Константы».

После службы в армии Витольду (Витеку) очень везет – он попадает электриком в предприятие, занимающееся обслуживанием заграничных мероприятий. Благодаря этому Витек получает возможность ездить за границу и заработать достаточно денег для осуществления своей мечты – отправить в экспедицию в Гималаи. Но «блатное» место работы влечет за собой необходимость ловчить и потакать требованиям начальства, а Витек, в силу своих убеждений, не может поступить своими моральными принципами…

Все мы любим рассуждать о честности и порядочности. Практически любой из нас (включая меня) любит бравировать о том, какой он честный и порядочный. Несмотря на это, большинство из нас никогда не упустят возможности «словчить», немного обмануть или каким-либо иным способом продвинуть себя в личном, материальном или ином аспекте. Вместе с тем, среди нас встречаются люди, для которых честность и порядочность никогда не будут пустым звуком.

Витек относится к вышеперечисленной редкой породе людей. Новое место работы предоставляет возможность быстро «подняться», но все знают текст известной поговорки, вынесенной в эпиграф. Но подобная линия поведения недопустима для Витека - он никогда не поступится своими моральными принципами и ожидает такого же поведения от других. В свою очередь, другие всеми силами цепляются за «хлебное место» и поначалу их забавляет чудаковатый новый коллега, но позже Витек начинает вызывать неприязнь и у коллег, и у начальства.

 Большинству людей всегда был свойственен меркантилизм и никакой общественный строй неспособен «выжечь» эту основную человеческую черту. Польское социалистическое общество даже сделало людей еще более меркантильными, ибо большинство граждан подобного общества готовы перегрызть глотку ради искусственно ограниченных благ вроде иностранной валюты и поездок в капиталистические страны. Поэтому человек, готовый добровольно отказаться от ограниченных благ, никогда не отыщет понимания окружающих.

Через Витека и иных персонажей «Константы» Кшиштоф Занусси поднял вопрос важности выбора – жить по совести или руководствоваться сиюминутным благом? Гнаться за материальными благами или выбрать небогатую и честную жизнь? Выбор Витека жить по совести влечет для него множество трудностей, но честный путь никогда не влечет легкого счастья. Кшиштоф Занусси прекрасно осознает это и показывает перед нами две развилки. Живой Кшиштоф Занусси никогда не пытается навязать нам свою точку зрения и это качество перешло в его фильмы (как минимум в тот единственный фильм, который я посмотрел).

Я Вам честно скажу, если бы посмотрел «Константу» в 15 лет, то я бы подумал, что Витек лох и неудачник. К счастью, мне сейчас 25 лет, и у меня больше мозгов и я уже могу «читать между строк». Подумайте для себя – человек, который всегда следует своей нравственной «константе» всегда вызовет больше восхищения, чем люди, периодически вспоминающие о своих высоких моральных устоях, хотя перед этим охотно предавшие свои убеждения (привет Баду Фоксу из «Уолл-стрит»).

Посмотрите и задумайтесь.

После просмотра только хочется пожелать Кшиштофу Занусси еще долго и плодотворно творить. 

P.S. Контекст нескольких фраз допускал использование жаргона.

1 сентября 1939 года Нацистская Германия напала на Польшу. Несмотря на героическое сопротивление, Польша была покорена. Для Польши оккупация обернулась пятью годами боли и страданий. К концу 1944 года гитлеровцы были потеснены по всем фронтам, и в Варшаве началось знаменитое Восстание.

В 1957 году Анджей Вайда получает возможность снять фильм о Варшавском восстании и он не упустил возможности запечатлеть подвиг своих соотечественников. Действие фильма начинается в последние дни Восстания – 25 сентября 1944 года. Группа солдат Армии Крайовой, под командованием поручика Задры, пытается покинуть центр Варшавы через канализационные каналы…

 Есть множество расхожих стереотипов о поляках – что они медлительные, что они никого не любят, что они не могут объединяться, что они являются только источником дешевой рабочей силы. Еще в 1938 году, Польша аннексировала у Чехословакии   Тешинскую область за что получила прозвище «Шакала Европы».

Через год Польша жестоко за это поплатилась, но война позволила проявить полякам героизм. Анджей Вайда специально начал повествование в самом конце Восстания, когда группировка Армии Крайовой в Варшаве была практически уничтожена и выжившие солдаты пытаются вырваться из окруженной Варшавы.

Анджей Вайда наделяет каждого персонажа фильма своими уникальными чертами, среди героев есть романтики, циники, умные, глупые, честные и лживые, но все они объединены одной целью – показать врагу и миру свой героизм. Единственным способом сбежать из окружения стала канализация.

Анджей Вайда изображает канализацию как метафору скорой смерти, которая вскоре настигнет большинство участников Варшавского восстания. Канализация предстает перед зрителем, как лабиринт, полный ловушек и ложных выходов. Но, несмотря на это, отряд поручика Задры отчаянно пытается вырваться обратно на поверхность.

Даже в аду – канализации у людей остается возможность любить и быть любимыми, что демонстрируется на основе нескольких сюжетных линий. Даже ожесточенные войной люди могут потерять смысл жизни из-за любви или попытаться дотащить тяжелораненного возлюбленного до поверхности.

Варшавское восстание обвиняют в неорганизованности, практической нецелесообразности и желанием показать «фигу» Советскому Союзу. Но для непосредственных участников это стало возможность показать миру героизм польской нации и даже противоборствующая сторона признала героизм восставших. Именно о простых участниках восстания, обессмертивших невероятными подвигами своего имя, Анджей Вайда снял свой фильм.

Хоть даже кинокритики говорят, что поздний Анджей Вайда был уже не тот (я не могу ничего сказать – я не смотрел его последних фильмов), но только этого фильма достаточно для того, чтобы последующие поколения говорили об Анджее Вайде. Не говоря уже о том, что Анджей Вайда дал дорогу множеству талантливых режиссеров, включая моего любимого Анджея Жулавского.

В истории Второй мировой войны были нации, не отличившиеся особым героизмом, но были и те, кто неожиданно для всех показали чудеса героизма. К последним относятся, в том числе греки и поляки. Давайте забудем о политике и посмотрим на достойный восхищения подвиг солдат Армии Крайовой.

Рекомендую посмотреть вместе с «Поколением» и «Пеплом и алмазом».

В 14 лет я впервые в жизни послушал Pink Floyd. Мое знакомство с группой началось с альбома The Wall. Он впечатлил меня, но затем через две недели я посмотрел фильм Pink Floyd The Wall и именно этот фильм превратил меня в клинического фаната Pink Floyd. Конечно, в 14 лет я был поражен визуальной составляющей фильма, но в 25 лет я уже могу оценить иные аспекты этого фильма.

Фильм, как и альбом, исследует тематику отчуждения – межличностного, общественного, творческого и межгосударственного. Исходя из текстов песен альбома The Wall, это отчуждение символизируется в том, что каждый человек строит вокруг себя так называемую «стену». Строительство этой «стены» начинается у каждого человека с самых первых лет жизни.

Кто-то, как и главный герой фильма, начинает строить свою стену из-за безотцовщины, кто-то по иной причине. Первый момент, когда главный герой осознает свою ущербность в сравнение с другими, это когда он на детской площадке впервые ясно осознает то, что его отец погиб. Затем, главный герой подвергается психологическому насилию в школе…

Иной тематикой фильма является подмена межчеловеческих контактов материальными ценностями. Главный герой женится, но скорее «для галочки», и вскоре теряет эмоциональный контакт с женой. При этом его музыкальная карьера набирает обороты и он начинает сорить деньгами и может удовлетворить все свои сексуальные желания с иными женщинами, но ничто не способно остановить строительство его личной стены отчуждения.

Также не нужно забывать об этапе истории Pink Floyd, в котором был написан этот альбом. Группа начинала свою карьеру с прокуренных лондонских клубов, затем Pink Floyd постепенно набирала оборота, но все поменялось в одночасье в 1973 году – с выходом альбома Dark Side of the Moon.

После выхода Dark Side of the Moon, Pink Floyd стала очень популярной группой и в связи с этим поменялся формат выступлений. После 1973 года группа выступала на огромных стадионах и Роджер Уотерс начал думать о том, как группа начала терять связь со своей аудиторией. Эта мысль подтолкнула его к аллегории с нацистским ралли. Побывав на нескольких крупных концертах, невольно начинаешь соглашаться с этой аллегорией.

По мнению Роджера Уотерса, отчуждение между людьми порождает агрессивные общественные и политические течения. Люди пытаются компенсировать жестокостью и насилием свою эмоциональную отчужденность. Несмотря на все разговоры об индивидуальности, большинство людей нуждаются в общности и если ее нельзя построить на позитивной основе, то в ход идут негативные объединяющие факторы.

Несмотря на то, что альбом оставляет надежду на то, что стена может быть взорвана, но помните, что в первоначальной концовке альбома стена осталась. Мне кажется, что первоначальная концовка была правдивее, поскольку большинство из нас никогда не снесут свои «стены».

Удивительно, но, несмотря на то, что альбомам Pink Floyd более сорока лет, их тематика сохраняет свою актуальность. Алан Паркер смог полностью перенести альбом The Wall на кинопленку. Этот фильм имеет смысл пересматривать раз в несколько лет, ибо по мере взросления каждый сможет лучше понять различные смыслы музыки Pink Floyd.

Про фильм и альбом The Wall было написано бесчисленное число статей, но я попытался выразить свои личные мысли о фильме и альбоме своей любимой группы. Если кто-то увидит плагиат, то это было ненамеренно.

Примерно два месяца назад я написал отзыв на «Человека из мрамора» и «Человека из железа» и richteur дал в комментариях справедливые замечания. После этого, я посмотрел блог richteur и увидел отзыв на фильм «Псы». Впечатленный отзывом richteur, я решил самостоятельно ознакомиться с этим образчиком «польского нового кино».

Несколько бывших сотрудников Службы безопасности ПНР, включая поручика Франца Маурера, пытаются интегрироваться в правоохранительные органы новой Польши. Они активно уничтожают компрометирующие документы, являются на заседания специального комитета Сената Польши. Кто-то, включая Франца, получает назначение в криминальную полицию, кому-то не так везет и они предлагают свои навыки бандитам…

Последний куплет знаменитого стихотворения Кшиштофа Довгялло «Баллада о Янеке Вишневском» содержит следующую строчку: «За хлеб, и Свободу, за новую Польшу Янек Вишневский пал». В 1989 году Польша стала новой, они получили свободу (или хотя бы ее видимость), но для большинства поляков с хлебом стало туго. Также польские режиссеры получили теоретическую и практическую возможность снимать фильмы на ранее запретные темы.

Режиссер рисует зарождение новой капиталистической Польши и сделал в качестве главных героев самых презренных существ – бывших польских гебистов. Бывшие хозяева жизни попадают в обычную полицию, где они считаются самыми низшими существами. Но, как часто бывает в истории, в основном понесут наказание рядовые исполнители, а хозяева успевают уничтожить документы или заключить сделку с новым правительством.

Автор показывает бывших гебистов обычными людьми, среди них есть и честные, и подонки, и трусы. Большинство из них, как и рядовые поляки, пытаются прокормиться, только прежнее государство обучило их только одному – убивать, а «новой Польше больше не нужны убийцы», но, в отличие от рабочих, их навыки востребованы по ту сторону баррикад.

«Псы» показывают быстрое разочарование поляков в новых правителях. Фильм показывает зачатки коррупции в высших органах власти, которые начали сращиваться с организованной преступностью. Как только Франц начинает переходить дорогу бандитам, его сразу увольняют из полиции в связи с обнаружением новых порочащих фактов в его биографии.

В новой Польше не найдется места ни для «Человека из мрамора», ни для «Человека из железа», новая Польша ждет с распростертыми объятиями нахрапистых убийц и воров. И в 1989 году, «Баллада о Янеке Вишневском» будет распеваться пьяными гебистами, ибо всем наплевать на прошлых мучеников.

В очередной раз польское кино приятно удивило. Владислав Пасиковский взял форму голливудского боевика и включил в нее драму, содержащую самые актуальные темы для поляков. Все кто жил в России 1990х поймут сюжет «Псов».

Однозначно рекомендую к просмотру, этот фильм стоит на голову выше большинства «чернушечных» фильмов 1990х.

Очень давно я наткнулся в детской энциклопедии на следующую цитату: «Нет, не всякая жизнь лучше смерти». По мере взросления, я начал встречать в литературе и кинематографе множество подтверждений правдивости данной фразы. Вчерашний фильм также можно отнести в данную «копилку».

Роман Мельник – простой человек, чья жена, дочь и неродившаяся внучка погибли по вине авиадиспетчера в авиакатастрофе. Авиадиспетчер признал свою вину и эта авиакатастрофа сильно ударила по его психике. В свою очередь, Роман неудовлетворен формальным извинением авиакомпании…

Многие любят рассуждать на тему быстрой и безболезненной смерти. Если отталкиваться от данной темы, то авиакатастрофа не кажется таким уж плохим вариантом. Но даже если смерть была быстрой и безболезненной, то это никак не сможет умалить горя друзей и родственников.

Благодаря стереотипам, убийцы представляются большинству людей как расчетливые нелюди. Несмотря на это, процент подобных людей среди убийц ничтожен, большинство убийц – простые люди. В особенности процент «простых и нормальных» людей велик среди убийц, совершивших свое деяние по неосторожности. Авиадиспетчер Джейк Бонанос является лишь одним из представителей бесконечной армии «простых и нормальных» убийц.

Современное общество настолько привыкло к смерти и насилию, что практическая любая насильственная смерть, за небольшим исключением, по большому счету игнорируется обществом. Даже такая «нетипичная» смерть как авиакатастрофа вызывает лишь казенный отклик в виде денежной компенсации и присвоении родственнику жертвы статуса привилегированного пассажира.

В жизни большинства людей случаются ситуации сильного психического напряжения. У двух главных героев случилась намного худшая ситуация – они умерли внутри. Пережив потрясение и Роман, и Джейк остались лишь телесными оболочками, потеряв всяческое желание продолжать жить. Они пытаются вернуть своей жизни содержимое и перевернуть трагическую страницу, но получится ли это?

Кино и литература создало у большинства людей иллюзию о мести, как о способе вернуть себе душевное равновесие. Один из актеров, вложивших свой вклад в популяризацию данного стереотипа, был Арнольд Шварценеггер. Но в реальной жизни все далеко не так – месть не вернет тебе погибших близких и, скорее всего, не даст душевного успокоения. В «Последствиях» Арнольд Шварценеггер предстал перед нами в необычном амплуа – не супергероя, а простого мужчины, обреченного на пожизненное заключение в своей внутренней психической тюрьме, из которой нет выхода.

«Последствия» - фильм об обычных людях, пытающихся по-своему перевернуть трагическую страницу их жизни. В данном фильме нет места для героев или бравады, но именно подобные персонажи встречаются нам в повседневной жизни.

Посмотрите этот фильм, может быть он вызовет у вас эмоциональный отклик.

В книге Эндрю Марра «История современной Британии» описывается один любопытный момент. В середине 1950х годов, молодой драматург Джон Осборн написал свою пьесу «Оглянись во гневе». Пьеса имела большой успех, но только не у Лоуренса Оливье. Затем, Артур Миллер посетил Лондон и уговорил Лоуренса Оливье еще раз посетить этот спектакль.

После второго просмотра, по словам Артура Миллера, Лоуренс Оливье пошел знакомиться с молодым драматургом. Во время знакомства, ошеломленный Артур Миллер стал свидетелем того, как Лоуренс Оливье начал умолять Джона Осборна написать что-то для него. Барон Лоуренс Оливье уговаривает малоизвестного драматурга! Так, на британской сцене появился «Комедиант», позже получивший свою экранизацию…

Великобритания завершила Вторую мировую войну среди стран-победительниц, но ей не нашлось места среди сверхдержав. До 1945 года существовала Британская Империя, но после 8 мая 1945 года настал период Великобритании. Какое-то время правящие круги Британии пытались показать миру, что их страна по-прежнему играет такую же значимую роль в мировой политике, но Суэцкий кризис расставил все на места.

Действие «Комедианта» начинается в первые дни Суэцкого кризиса. Автор показывает усталую и изможденную Британию, жители которой потеряли веру в ее величие и будущее. Более успешные британцы мечтают об эмиграции, менее успешные пытаются ухватиться за остатки былого имперского величия. Действие фильма происходит в каком-то прибрежном курортном городе, переживающем не лучшие времена.

«Комедиант» описывает злоключения Арчи Райса – пятидесятилетнего артиста мюзик-холла, хвастающего своим двадцатилетним уклонением от уплаты налогов. Сын легенды старых мюзик-холлов, Арчи Райс выступает перед апатичной публикой с примитивным шоу, которое с каждым днем становится все менее популярным. В один день ему удается соблазнить молодую девушку и уговорить ее состоятельных родителей профинансировать его новое шоу…

Как я уже написал выше, автор показал Великобританию эпохи послевоенного упадка. Поэтому неудивительно, что в качестве одной из тематик «Комедианта» был выбран упадок британского мюзик-холла. Мюзик-холл был одним из главных символов Эдвардианской эпохи – времени наивысшего расцвета Британской Империи, - но к середине двадцатого века мюзик-холл, как и Британская Империя, вступили в эпоху упадка.

Что бы ни говорили про экономические реформы Маргарет Тэтчер, но одним из главных факторов ее переизбрания в 1983 году стала победа в Фолклендской войне, ибо это победа вернула британцам ощущение того, что они снова Империя. Суэцкий кризис также начался для Британии на бравурной ноте. Шоу Арчи Райса начало становится популярным, его отец получает предложение вернуться на сцену, сын Арчи – сержант британской армии, - скоро триумфально вернется домой.

Несмотря на всю имперскую браваду, мы в 2017 году уже знаем, чем закончился Суэцкий кризис. Впервые за многие сотни лет Британии пришлось подчиниться другой сверхдержаве и распрощаться со своими имперскими иллюзиями. Это крушение не обошло стороной и главных героев фильма. Пост-Суэцкая Британия прочно вошла в роль сателлита США. Экспансия новых ценностей не обошла ни одну сферу британской жизни, включая мюзик-холл.

И правда, зачем волноваться, если ты уже заранее проиграл?

Посмотрите этот фильм, может быть он заставит Вас задуматься.

В 1950е годы президентом США был генерал Дуайт Эйзенхауэр. В 1951 году была ратифицирована двадцать вторая поправка к Конституции США, ограничившая число президентских сроков – не более двух (независимо от того, подряд или с перерывом).

В 1960 году в Республиканской партии быстро определился кандидат на президентские выборы – вице-президент Ричард Никсон. В то же время, среди демократов не было очевидного фаворита. В демократических праймериз участвовали такие кандидаты как сенатор от штата Миннесота Хьюберт Хамфри, бывший губернатор штата Иллинойс Адлай Стивенсон, лидер демократов в Сенате США Линдон Джонсон и молодой сенатор от штата Массачусетс Джон Кеннеди.

Данный фильм показывает праймериз демократов в штате Висконсин (5 апреля 1960 года), в котором участвовало два кандидата – сенатор от штата Миннесота Хьюберт Хамфри и сенатор от штата Массачусетс Джон Кеннеди…

По прошествии более 50 лет мы помним Джона Фитцджеральда Кеннеди как одного из самых молодых президентов США и харизматичного оратора, но не помним о предрассудках американского общества первой половины XX века. Нам непонятно, как американская публика могла сомневаться в кандидатуре Джона Фитцджеральда Кеннеди. Вместе с тем, в 1960 году победа Кеннеди не была очевидной. Джон Фитцджеральд Кеннеди был католиком и ирландцем, а эта этническая и религиозная группа подвергалась гонениям с двух сторон – англосаксонские протестанты считали ирландцев людьми второго сорта, американские протестантские церкви считали, что католики подчиняются папским буллам, а не Конституции США.

Все эксперты отдавали победу в Висконсине Хьюберту Хамфри. Это был пограничный с Миннесотой штат, политические фигуры Миннесоты поддержали кандидатуру сенатора от штата Висконсин. Хьюберт Хамфри имел сформировавшуюся политическую репутацию. Он был одним из главных парламентских спонсоров движения за гражданские права, а также принимал активное участие в принятии законодательстве о поддержке фермеров.

В отличие от Хьюберта Хамфри, Джон Кеннеди имел репутацию плейбоя и богатенького сынка, которому папочка купил место в Конгрессе США. За восемь лет в Сенате США, Кеннеди пропустил много пленарных заседаний и практически не занимался законотворческой деятельностью. Кроме уже упоминавшегося католицизма, в вину Кеннеди ставили инертность во время слушаний по делу сенатора Джозефа Маккарти.

При этом тогдашние эксперты забыли о главном - политические взгляды играют далеко не первую роль в политических кампаниях. Как в свое время сказал сенатор от штата Кентукки Митч Макконнелл: «политические взгляды играют второстепенную роль в политической кампании». Этот же сенатор говорил своим студентам о трех вещах, необходимых для создания политической партии – деньги, деньги и еще раз деньги[1].

В соответствии со словами Митча Макконнелла зачастую форма имеет преимущество над содержанием. Хьюберт Хамфри приезжает в фермерский городок и рассказывает в школьном актовом зале фермерам о разработанных им законах по поддержке фермерства; Джон Кеннеди приходит в конференц-зал большого отеля и после фанфар рассуждает о законопроекте (возможно несуществующем), позволяющем осуществлять экспорт американской сельскохозяйственной продукции в социалистические страны.

В поддержку вышеупомянутого тезиса, данный документальный фильм показывает становление телевидения в качестве ключевого инструмента политических кампаний. В четвертом томе книжной серии Роберта Каро о Линдоне Джонсоне есть отдельная глава о Джоне Кеннеди («The Rich Man’s Son). В том числе, эта глава рассказывает о политической тактике молодого сенатора. Очень рано Джон Кеннеди осознал, что Сенат не является трамплином для президентства, поскольку поддержка или оппозиция к любому законопроекту порождает потенциальных политических оппонентов.

Вместо этого, сенатор Кеннеди сосредотачивает свои усилия на своем медийном образе. Америка 1950х годов очарована молодым харизматичным сенатором, все говорят о его красавице-жене, он становится частым гостем на различных популярных телепередачах. Жители Висконсина также воспринимают Кеннеди как популярную телезвезду и не обращают внимания на его политический абсентеизм, а настоящие политические достижения малоизвестного простому народу Хьюберта Хамфри оставляют большинство людей равнодушными.

В Висконсине 1960 года, как и на президентских выборах 2016 году, столкнулись политик новой и старой формации и исход этой борьбы очевиден. Конечно, в отличие от Дональда Трампа, Джон Кеннеди являлся носителем прогрессивных политических взглядов и излучал оптимизм. Но бомба замедленного действия, которая позволила Трампу победить, была заложена именно в Америке времен Кеннеди.

Если Вы соскучились по политическим кампаниям, где оппоненты ведут себя цивилизованно, то рекомендую Вам посмотреть этот короткий документальный фильм. После просмотра, рекомендую Вам ознакомиться с четырехтомником Роберта Каро «The Years of Lyndon Johnson».

Документальный фильм

[1] http://www.huffingtonpost.com/2013/07/11/mitch-mcconnell-profile_n_3550173.html

В 1996 году Анджей Жулавски снял свой «фильм без маски» - «Шаманку». В этом же году Анджей Вайда снял свой фильм про раннюю постсоциалистическую Польшу – «Девочка Никто». Анджея Вайду всегда считали мастером исторического и остросоциального кино. До просмотра «Девочки Никто» я посмотрел шесть фильмов Анджей Вайды, но среди просмотренных мной картин есть и саркастичная комедия про неудачника («Охота на мух»), и свой вариант «8 ½» Феллини («Все на продажу»). Конечно, почти у любого зрителя вызовет удивление очередной выбор жанра у пожилого (на тот момент семидесятилетнего) режиссера – подростковая драма.

Ранняя постсоциалистическая история России и Польши характеризуется наличием большого числа смежных моментов, будь то экономическая «шоковая терапия», показное нуворишество или быстрая ломка ранее существовавших социальных норм и правил. При социалистическом строе первоочередное значение имела власть, при капиталистическом строе первоочередную роль стали играть деньги. Естественно, что данный скачок ощущался наиболее полно в городах, а в деревнях этот процесс был более медленным.

Анджей Вайда показал ломку существовавшего строя через историю 15-летней девочки Марыси, переехавшей с семьей из деревни в город. В начале фильма Марыся является отражением католической и консервативной Польши. Попав в город, она оказывается под влиянием новых ценностей. Первичный отказ Марыси от своего патриархального прошлого символизируется сменой прически. Если в начале фильма она носит традиционные длинные волосы, то попав в город, она меняет свой привычный образ  на короткую стрижку.

Любая революционная эпоха характеризуется не только экономическими и политическими преобразованиями, но и приспособленчеством лиц, работавших или родившихся в прошлой политической эпохе. Анджей Вайда показывают смену эпохи через подростковый коллектив. Желая полностью раствориться в новом обществе, Марыся отказывается от своего прежнего имени и охотно принимает прозвища, полученные от своих подруг – Минка и Майка.

Также любая переходная эпоха характеризуется новой моралью (чаще всего – ее отсутствием) и видимым смешением общественных слоев. Марысю захватывает финансовая независимость ее новых подруг, она охотно впитывает новые уроки вседозволенности, она искренне считает себя принятой нуворишескими кругами. При этом она забывает классический исторический урок – богатые могут временно пригреть бедного, но никогда не будут считать его за равного себе.

1990е также отразились на киноискусстве. Получив интеллектуальную свободу, большинство начали снимать фильмы про бандитов и секс. Но нашелся ряд исключений. Анджей Вайда, избавившись от необходимости снимать иносказательное кино (используя меткую фразу Анджея Жулавского – «фильм с маской»), снял портрет новой Польши. Он намеренно сделал подростков главными героями, чтобы показать подрастающее поколение, которое когда-то придет к власти.

Семидесятилетнему режиссеру удалось то, что не удается всякому двадцатилетнему режиссеру – показать настоящие подростковые отношения, не ударяясь ни в идеализацию, ни в очернение. Все увидят себя или своих знакомых в Марысе, Касе и Еве. Рекомендую посмотреть этот фильм всем тем, кто родился в середине 1980х – начале 1990х. К сожалению, мысль Вайды о том, что нет, из пепла нам не блеснет алмаз осталась правдива и в 1958, и в 1996, и сейчас.

В 1974 году Луи Маль снял «Лакомб Люсьен» - картину про французского юношу, ставшего по воле случая немецким коллаборационистом. Вторая мировая война всегда была болезненной темой французской истории и этот фильм был подвергнут критике со стороны всех французских политических сил.  В 1976 году Клод Лелуш снял еще один фильм про Францию времен Второй мировой войны, начав его с эпиграфа: «Не существует исключительно хороших или плохих людей, но только люди в хорошем или плохом расположении духа».

Действие фильма начинается в середине 1930х годов. Автомеханик и неудачливый боксер Жак и его друг Симон решают переквалифицироваться в налетчики. После того, как Жак встречает проститутку Лолу, их дело начинает набирать серьезный оборот. По пятам шайки начинает идти полицейский Бруно Дешамп. Все идет своим чередом, пока не начинается война и оба героя попадают в Виши: полицейский получает назначение во Французское гестапо, Жак и его шайка сбегают из оккупированной Франции…

В уже упоминавшемся «Лакомбе Люсьене» был показан бытовой коллаборационизм французского общества и работа низших чинов коллаборационистских органов. «Добрые и злые» показывают работу французского Гестапо и высмеивают пассивность французского общества. В этом плане символичны две сцены: когда в начале фильма дети учат немецкие цифры и в школьном коридоре висит портрет маршала Петена; после Освобождения дети начинают учить английские цифры и в школьном коридоре висит портрет генерала де Голля.

«Добрые и злые» также показывают иной интересный аспект французской истории времен Второй мировой войны -  разделение французского преступного мира по две стороны баррикад. Во время оккупации Франции было создано французское гестапо, которое начало брать к себе на службу уголовников. Таким образом, полицейские и преступники оказались по одну сторону баррикад – на стороне оккупантов и фактически против своей Родины. При этом какие-то уголовники примкнули к Сопротивлению и стали героями.

Режиссер рисует параллель между Жаком-уголовником и Бруно-полицейским. В довоенной части фильма они изображены стереотипными моделями – Жак показан безответственным разгильдяем, Бруно показан стереотипным бесстрашным стражем порядка. В духе их характеров, фильм показывает две параллельные сцены свадеб – официальное бракосочетание Бруно и подпольную гражданскую церемонию свадьбы Жака и Лолы.

После начала оккупации, оба персонажа продолжают по инерции следовать своей «модели» - Бруно вступает во французское гестапо, Жак начинает сотрудничать с уголовниками-коллаборационистами. Война раскрывает истинный облик каждого героя. Когда Жак узнает, что немцы взяли пятьдесят человек в заложники и дали четыре дня на возвращение украденных его шайкой картин, он возвращает награбленное в Гестапо. В свою очередь, Бруно готов убить жену, чтобы доказать свою лояльность оккупантом. По иронии судьбы, обоих героев ждет одинаковый финал и им будет отнюдь не гильотина или расстрельный взвод.

«Добрые и злые» имеют еще одну параллель с «Лакомбом Люсьеном» - влияние случая на действие людей, в том числе во время войны. Этот тезис иллюстрируется сюжетной линией Жака – возвращение украденных ценностей обнажает его доселе скрытую человечность, а вступление в Сопротивление было продиктовано не патриотизмом, а желанием отомстить оккупантам за пытки своей жены в застенках гестапо. При этом ему так и не удается узнать имя и лицо человека, который пытал его жену.

«Добрые и злые» остались в тени более известных работ Клода Лелуша. Я смотрел этот фильм ради Жака Дютрона – одного из моих любимых французских актеров. Несмотря на это, просмотр этого фильма стал приятным сюрпризом благодаря хорошей игре актеров, передаче духа той эпохи и оригинальному изобразительному решению.

Рекомендую посмотреть «Добрые и злые» в паре с «Лакомбом Люсьеном» и «Очень скромным героем».

В жизни каждого человека бывали события, продиктованные случайностями. Это могут быть позитивные случайности – напился, опоздал на самолет и избежал авиакатастрофы или незапланированно сходил на премьеру и познакомился с интересным человеком. При этом не нужно забывать и о негативных случайностях – нечаянно пророненное слово или на первый взгляд незначительный поступок, стоившие отношений с близким человеком или хорошим другом.

В 1981 году Кшиштоф Кесьлевский снял фильм о том, как одно событие может повлиять на всю жизнь человека. После смерти отца, молодой студент медицинского факультета Витек берет академический отпуск и собирается ехать в Варшаву. В зависимости от того, попадет ли Витек на варшавский поезд, зависит ход его жизни.

В этом фильме режиссер исследует вопрос взаимосвязанности свободы, личного выбора, счастья и судьбы. В начале фильма Витек следует пожеланиям своего отца и изучает медицину. Но, перед своей смертью, отец Витека говорит ему, что хочет, чтобы сын сам выбрал свое предназначение и оно необязательно должно быть связано с медициной. Впервые в своей жизни Витек получает настоящую свободу выбора.

В первых двух вариантах своей жизни, Витек пытается избрать в качестве своего предназначения политику. В первом варианте Витек вступает в Коммунистическую партию Польши, а во втором варианте Витек становится оппозиционером и пытается обрести смысл жизни в католической вере. На первый взгляд, Витек добивается успехов на первом и на втором пути, но на самом деле он теряет личную свободу, свободу выбора, личное счастье и становится инструментом в руках иных людей.  

Кшиштоф Кесьлевский показал зрителю старых коммунистов, пострадавших от репрессий в начале 1950х годов, но продолживших партийную деятельность. Один из них, вдохновивших Витека на вступление в Партию, вышел из тюрьмы покалеченным и физически, и морально, и занимает пост лектора в университете, чтобы дистанцироваться от всего. Другой старый коммунист – начальник Витека, - понимает кризис социалистических идей, но продолжает политическую деятельность и формальное декларирование приверженности официальной идеологии, чтобы в будущем использовать свой опыт для реформы польского общества.

Режиссер показал оппозицию как эфемерную массу идеалистично настроенных молодых людей, печатающих листовки и которых в любой момент могут арестовать. Не меньший скептицизм у режиссера вызывает попытка людей обрести смысл в жизни с помощью формального обращения в религию, в данном случае в католическую веру. При этом не нужно считать режиссера настроенным антиклерикально – он не выступает против Веры, он выступает против формального принятия церковных постулатов, практикуемого большинством людей. Дальнейшая история Польши подтвердит правоту мыслей Кшиштофа Кесьлевского.

Кроме вышеуказанного исследования взаимосвязанности свободы, личного выбора, счастья и судьбы, фильм также показывает влияние прошлого на жизнь человека и как мы отчаянно пытаемся вернуть его. В «Случае» прошлое символизируется девушками, когда-то встречавшимися на жизненном пути Витека – Чушкой в первом варианте жизни Витека и Веркой во втором варианте жизни Витека. При этом все забывают, что есть избитая поговорка про то, что прошлое не вернешь, и режиссер разделяет данную точку зрения.

Во всех трех вариантах жизни Витека фигурирует Париж как способ побега от действительности. Но тут режиссер решает «поиграть в Бога» (взято из одного высказывания Кшиштофа Кесьлевского по поводу концовки трилогии «Три цвета») в образе судьбы и не дает возможности герою убежать из страны, но где-то он жесток, а где-то проявляет милосердие.

По мнению режиссера, возможность обрести личное счастье состоит в разрыве с прошлым и выстраивании своей жизни вне политики. В третьем варианте жизни Витека, он решает не ехать в Варшаву, оканчивает университет и женится на однокурснице. Витек-врач, в отличие от Витека-коммуниста и Витека-оппозиционера, полностью воздерживается от участия в политической жизни и занимается только медициной. Именно в этом варианте жизни Витек обретает личную и профессиональную свободу.

Кшиштоф Кесьлевский изобразил портрет польского общества начала 1980х годов и историю жизни одного простого польского молодого человека. Я думаю, что, видя кадры Витека, бегущего за варшавским поездом, каждый вспомнит свои подобные «поезда». Как я уже писал, фильмы Кесьлевского обладают одним неоспоримым качеством – они универсальны.

И я снова Вас призываю вместе посмотреть работы этого выдающего режиссера, слишком рано ушедшего из жизни.

Дорогие друзья! Я прекрасно понимаю, что достал Вас отзывами на фильмы польских режиссеров. Но я торжественно обещаю, что после этого отзыва я возьму перерыв и буду какое-то время писать отзывы на другие фильмы.

В середине 1980х Кшиштоф Кесьлевский вел режиссерские курсы в Западном Берлине и однажды молодой западный немец начал рассказывать режиссеру о своих политических убеждениях. По словам молодого немца, он начал рассказывать польскому режиссеру о своем увлечении РАФ и иными радикальными политико-террористическими движениями. Кесьлевский лишь вежливо улыбался, а в его глазах читалось: «Дурачок, ты живешь в нормальной стране!». Позже режиссер сказал молодому немцу: «Андреас, политика – грязное дело. Все, что меня заботит – это чтобы в туалетах была туалетная бумага».

Кшиштоф Кесьлевский был аполитичен и в личной, и в творческой сфере. Он никогда не снимал политически ангажированного кино, не примыкал к политическим блокам, кружкам или клубам. Он снимал фильмы не о политике, а о людях, а точнее о вещах, которые объединяли людей. Из-за этого, в социалистической Польше режиссера подвергли травле, как и коммунисты, так и оппозиционеры.

На первый взгляд, в 1984 году Кшиштоф Кесьлевский изменил своему убеждению, сняв политизированный фильм. Но, на самом деле, за формой истории о смерти молодого и храброго адвоката, защищавшего политического заключенного, кроется совершенно иное содержание.

В «Без конца», Кшиштоф Кесьлевский изобразил польское общество времен Ярузельского – потерянное, разочарованное и более не ожидающее никаких позитивных перемен. Представители Солидарности показаны разгромленными идеалистами, пытающимися либо выжить, либо показать действующей власти свое последнее «фи». На фоне сдавшейся Польши разыгрывается трагедия женщины, потерявшей мужа. Она везде видит отражение своего покойного мужа, и ничто не может ее заставит отбросить прошлое и продолжить жить.

Как и в «Три цвета: Синий», через призму истории вдовы Кшиштоф Кесьлевский исследует тематику свободы, но не в политическом, а в личном плане. В этих двух фильмах режиссера интересуют следующие вопросы: может ли человек освободиться от груза прошлого и продолжить жить? Может ли самоубийство считаться выбором свободного человека и выходом из тупиковой ситуации?

Другим элементом фильма является процесс над молодым рабочим, обвиняемым в организации политической забастовки. В части фильма, посвященной процессу, появляется один из ключевых персонажей – пожилой адвокат Лабрадор, сменившей умершего Антека. Режиссер вкладывает в уста пожилого адвоката свои мысли – если в момент объявления военного положения Вы не выбрали смерть и не пошли на танки, то зачем Вы пытаетесь найти ее сейчас? Имеет ли смысл губить себя ради дела, которое было разгромлено?

Практически каждый из персонажей строит свою «фантомную» жизнь и Польшу, пытаясь таким образом убежать от гнетущей действительности. Но, если пытаться с помощью фантазии убежать от действительности, то последняя все-равно возьмет вверх. Конечно, в свете последующих событий, можно упрекнуть режиссера в излишнем пессимизме. Перед тем как критиковать режиссера за вышесказанное, посмотрите на год выхода фильма и простите Кесьлевского за его пессимистическое видение будущего. Ибо, в 1984 году еще никто не мог подумать о скором крушении Восточного блока.

До конца 1980х годов Кшиштофа Кесьлевского называли «местечковым» режиссером. Его фильмы не брали на международные кинофестивали, он находился в тени более именитых соотечественников, таких как Анджей Вайда. Несмотря на весь прошлый снобизм, фильмы Кесьлевского обладают одним неоспоримым качеством – они универсальны. Они универсальны в том смысле, что рассказанные в них истории понятны каждом. Мы можем себя ассоциировать с героями и его польских, и его французских фильмов. Что не скажешь обо всех фильмах его (тогда еще) более именитых соотечественников.

После успеха «Декалога», те критики, которые ранее называли Кесьлевского «местечковым» режиссером, начали коллективно хвалить его фильмы. Давайте присоединимся к ним и вместе посмотрим работы этого выдающего режиссера, слишком рано ушедшего из жизни.

В 1977 году Стивен Кинг написал свой роман «Ярость». Затем, где-то через 10 лет, на территории США начали происходить страшные преступления, осуществленные школьниками, вдохновленными текстом вышеупомянутого романа Стивена Кинга. Шокированный тем, что текст «Ярости» нашел воплощение в реальной жизни, Стивен Кинг отзывает свой роман из продажи. В 1982 году, Дарио Арджетно решает снять фильм на схожую тематику.

Практически любой человек любит периодически почитать «для расслабления» кровавые детективы или посмотреть кровавый боевик или криминальную драму. Основным индикатором «качества» подобных произведений является детальное описание или воплощение сцен насилия или убийства. Но, когда Вы сидите в метро или включаете телевизор, задумываетесь ли Вы, что побудило автора написать или снять такое произведение? Писана ли эта книга настоящей кровью или это просто полет фантазии автора?

Дарио Ардженто не дает очевидного ответа на этот вопрос. Одной из основных тематик «Дрожи» является работа бессознательного начала человека. Режиссера интересуют потаенные страхи человека, как жертва может превратиться в охотника или наоборот. Каким образом добропорядочный человек становится безжалостным убийцей. Конечно главный вопрос «Дрожи» – являлись ли катализатором убийств эти кровавые книги или «ген убийцы» сидит в определенных людях с рождения?

Отдельную роль в фильме играет образ города. Мы все привыкли к прекрасному Вечному Городу. В этом фильме, Дарио Ардженто отказывается от всех клише, присущих Риму. Рим «Дрожи» - холодное место, с наступлением ночи становящееся идеальным местом для нелюдей. Преобладающие цвета фильма носят стальной оттенок, ассоциирующиеся с основным инструментами убийц – ножом или бритвой.

«Дрожь» намного кровавее, чем предыдущие фильмы Дарио Ардженто. Я не являюсь большим поклонником экстремального насилия на экране, но убийства, снятые Дарио Ардженто, очень изобретательны и артистичны (наиболее точный эпитет). В отличие от Лучио Фульчи, снимающего и смакующего экстремальное насилие, Дарио Ардженто наглядно показывает нам действие нелюдей, под влиянием определенной категории искусства, и посмотрев это, зритель может задуматься, а так ли прикольны все эти кровавые фильмы и книги.

В отличие от большинства триллеров и детективов, при просмотре «Дрожи» зритель может ассоциировать происходящее на экране с реальностью. Каждый день в новостях нам рассказывают про жестокие убийства, поэтому рассказанная на экране история, к сожалению, может воплотиться в любой момент.

После неудачного «Инферно», Дарио Ардженто реабилитировал себя классическим джалло. Этот фильм не дотягивает до уровня «Кроваво-красного», но «Дрожь» снята на очень высоком уровне. Фильм рекомендуется всем любителям триллеров и поклонникам Дарио Ардженто.

В день смерти Анджея Жулавского у меня зародилась идея посвятить любимому режиссеру серию отзывов «В память об Анджее Жулавском». До дня его смерти, я уже писал отзывы на некоторые фильмы Анджея Жулавского, но, позже я стал не очень доволен ими, особенно отзывом на «Публичную женщину» и «Главное-любить». Я проанализировал эти фильмы однобоко и использовал не самые лучшие лексические приемы. Поэтому, к просмотру каждого фильма, включенному в серию «В память об Анджее Жулавском», я подходил серьезно, в частности читал первоисточники. Перед просмотром «Космоса» я прочитал одноименный роман Витольда Гомбровича.

В одном из интервью, Анджей Жулавски сказал, что в польской литературе традиционно существуют два направления – романтизм и сюрреализм. При этом режиссер не забыл отметить, что в отличие от Чехословакии, польский сюрреализм не имел единой концепции. По словам Анджея Жулавского, его концепция сюрреализма, как и Витольда Гомбровича, состояла в доведении до абсолютизма идей польского романтизма.

Одним из основных постулатов сюрреализма является выражение реального функционирования мысли и снов, без контроля со стороны разума и без иных общественных барьеров. В этом смысле завязка фильма и романа, связанная с обнаружением повешенного воробья является катализатором для начала «всемогущества грез и бескорыстную игру мысли» (цитируя Манифест сюрреализма 1924 года).

Оригинальный текст романа Витольда Гомбровича сложно экранизировать из-за авторского пренебрежения традиционными литературными формами. Например, в тексте романа периодически обрывается нить повествования, есть сцены, где пропадают персонажи и автор использует необычные лексические приемы. Режиссер осознавал «неэкранизируемость» «Космоса» и поэтому очень вольно обошелся с текстом романа. Несмотря на это, режиссеру удалось сохранить дух оригинальной книги.

Анджей Жулавски любил повторять: «Я делаю фильмы о том, что мучает меня, а женщина служит мне медиумом». В своем последнем фильме, Анджей Жулавски отступил от своей традиционной парадигмы, сделав своим «медиумом» мужчину. В уста главного героя фильма – несостоявшегося юриста и писателя Витольда, - режиссер вложил свои мысли и комментарии.

Действуя через Витольда, режиссер высмеял современное интернет-общество. Он подарил персонажу Фукса бесполезную профессию – менеджер в дизайнерской компании, - и сделал его абсолютно безграмотным человеком, не знающим ни одного французского или мирового классика. Вместе с этим, Анджей Жулавски высмеял повальное увлечение графоманством, сделав Витольда писателем, мыслящим и пишущим нарочито шаблонно. Хотя, возможно, наделив Витольда всеми чертами Женщины Жулавского, режиссер хотел отразить гендерное смешение ролей в современном обществе.

При этом, сломав свою традиционную парадигму, Анджей Жулавски сделал главную героиню и объект любовных притязаний Витольда – Лену, - карикатурной плохой актрисой, про которых он столько раз желчно отзывался. Она является учительницей-лингвистом, не знающим ни одного языка, и мечтающей стать «настоящей актрисой».

Посмотрев «Космос» узнаешь, что Анджею Жулавскому не была чужда самоирония. В одном из диалогов он охарактеризовал не самый свой любимый фильм «Главное-любить» как скучный. Также сцена, когда Витольд с зонтом идет в бушующее море напоминает финальную сцену «Мои ночи прекраснее ваших дней». Несмотря на вновь открытую самоиронию, Анджей Жулавски по-прежнему был непримиримо настроен против скучного кино. Герои называли фильмы Ингмара Бергмана «философией скуки». При этом, режиссер тепло отзывался о «Теореме» Пазолини и «Носферату» Мурнау.

В последние годы жизни Анджея Жулавского называли старым желчным маразматиком, способным только говорить и писать гадости об окружающих. Но смертельно больной режиссер нашел в себе силы вернуться в последний раз в кинематограф и он снова высказал свое фи стереотипному артхаусу, сняв умный, тонкий и энергичный фильм.

В свете длительной смертельной болезни Анджея Жулавского символичен его выбор последнего романа Витольда Гомбровича в качестве материала для экранизации. Употребив избитую фразу, можно назвать «Космос» лебединой песнью Анджея Жулавского.

В комментарии к американскому DVD-изданию «Шаманки» Анджей Жулавски рассуждал о том, что большинство фильмов имеют свои «маски». В том числе, режиссер говорил и о своих картинах. По словам Анджея Жулавского, «Дьявол» был плодом его размышлений о радикальной польской молодежи, использованной консервативными элементами Коммунистической партии Польши для оправдания реакционного переворота в 1968 году. Если вы помните, действие «Дьявола» происходило в Польше конца XVIII века – момента, когда страна потеряла свою независимость. В этом фильме необходимость «маски» была продиктована политическими соображениями, поскольку Анджей Жулавски снимал «Дьявола» в социалистической Польше.

В этом же комментарии, Анджей Жулавски сказал, что он хотел снять «Шаманку» как фильм, показывающий ситуацию в постсоциалистической Польше. При этом режиссер особо подчеркнул, что он не включил в «Шаманку» свои комментарии о происходивших событиях и этот фильм не имеет своей «маски».

В замечательном отзыве на «Мои ночи прекраснее ваших дней» galina_guzhvina точно подметила, что для иллюстрации своих идей, Анджей Жулавски снял этот фильм с нарочито французским шиком. В случае с «Шаманкой», режиссер решил пойти по модели «Публичной женщины». В «Публичной женщине» Анджей Жулавски показал «Париж сутенеров, убийц и подонков» (взято из обзора на kinomaza.com). В «Шаманке» режиссер показал нищую и оборванную Польшу начала 1990х годов.

По словам одного из главных героев фильма профессора антропологии Михала: «Шаманизм был первой религией человечества». Если взять описание шаманизма в любой энциклопедии, то вы прочитаете, что данная форма религии связана с магией, анимизмом, фетишизмом и тотемизмом. Как и в «На серебряной планете» Жулавский использовал цивилизационную методологию Арнольда Джорджа Тойнби. Режиссер показал зарождение новой примитивной капиталистической польской цивилизации. Жители новой Польши ведут себя в полном соответствии с критериями, относимым к шаманству: танцуют безумные ритуальные танцы, преклоняются перед деньгами и успешно копируют самые низкопробные образцы западной культуры и образа жизни.

В своем отзыве на «Прощальное послание» я охарактеризовал предыдущий фильм Анджея Жулавского как анти-биографический. Посмотрев «Шаманку», я пришел к выводу, что этот фильм можно назвать анти-эротическим. Возвращаясь к «Мои ночи прекраснее ваших дней», в части откровенных сцен (цитируя себя) режиссер снял их полными боли, нежности и красоты. «Шаманка» полна откровенных сцен, но они не содержат ни единого намека на красоту, более всего они напоминают животную копуляцию.

Анджей Жулавски был твердо убежден в том, что актерство является, по преимуществу, женской профессией. В «Шаманке» режиссер не изменил своему убеждению. В этом фильме место Женщины Жулавского заняла Итальянка-Шаманка. Итальянка показана архетипной Шаманкой «привлекающей мух и людей и сеющей смерть». Итальянка излучает примитивную первобытную сексуальную энергию. Также, мне кажется, что режиссер хотел показать в Итальянке нового польского человека – безграмотного, жестокого и потребляющего.

По моему мнению (я могу быть неправ), Анджей Жулавски не питал теплых чувств ни к какой религии. В «Шаманке» Католическая церковь показана инертной силой, отчаянно пытающейся занять в сердцах поляков место, ранее отведенное коммунистической идеологии. Брат Михала – католический священник, - показан слабым и запутавшимся человеком. Общее отношение режиссера к священнослужителям продемонстрировано фразой Михала: «Когда не знаешь что делать, становись священником».

Во всех трех фильмах «польской трилогии» (Третья часть ночи, Дьявол и Шаманка[1]) Анджей Жулавски использовал мотив Апокалипсиса. В «Шаманке», как и в «Дьяволе», апокалиптические мотивы носят вычурно абсурдный характер. Режиссер показывает современную Польшу, возглавляемую подонками и бандитами и которые с театральной жестокостью расправляются со своими оппонентами. При этом все сцены насилия выглядят как иллюстрации из кошмарных снов художников-сюрреалистов.

В одном интервью, Анджей Жулавски высказал свое фи «польскому кино морального беспокойства». Его отрицательное отношение к данному кинематографическому течению было мотивировано тем, что зрители в кинозале знали намного больше, чем могли показать скованные коммунистической цензурой режиссеры. Анджей Жулавски всегда считал, что нельзя делать никаких поблажек для зрителя, его нужно «бить по голове дубиной».

Большинство критиков сказали, что польское кино умерло после 1989 года. Анджей Жулавски не согласился с этим, дал польскому народу зеркало и заставил в него смотреть. Его в очередной раз обвинили во всех смертных грехах, но зритель проголосовал деньгами за режиссера. «Шаманка» стала одним из самых популярных польских фильмов и в некоторых польских городах священники блокировали входы в кинотеатры.

Посмотрите этот фильм, и лучше посмотрите его не один раз. Я сам понял этот фильм только со второго раза.

9 октября 2016 года умер Анджей Вайда. Если честно, я смотрел у него только три фильма: Дантон, Все на продажу и Поколение. Первый фильм мне очень понравился, второй фильм я смотрел в недостаточно зрелом возрасте, а третьим фильмом остался недоволен даже сам режиссер. Услышав про его смерть, я решил восполнить этот досадный пробел в своем образовании.

8 мая 1945 года Гитлеровская Германия капитулировала перед Союзниками и война в Европе была окончена. В этот же день двое солдат Армии Крайовой Мацек и Анджей получают задание убить секретаря обкома ПРП Щуку. По ошибке они убивают рабочих с цементного завода и возвращаются во Вроцлав…

Анджея Вайду всегда любили обвинять в чрезмерной однобокости мышления. После выхода «Человека из железа» его фильмы запретили в СССР, французские критики однобоко истолковали «Дантон» как аллегорию на противостояние между Лехом Валенсой и Войцехом Ярузельским, многие русские считали Анджея Вайду стереотипным польским русофобом. При этом в социалистической Польше Анджея Вайду обвиняли в пренебрежении официальной идеологией а, в постсоциалистической Польше его обвиняли в недостаточном патриотизме.

Вопреки расхожему мнению, Анджей Вайда, как и в «Белой гвардии» Михаила Булгакова (к сожалению, я не читал оригинальную повесть Ежи Анджеевского) показал представителей противоборствующих сторон обычными людьми. Он снял фильм о благородных, об идеалистах, о подонках и о декадентах. Первоначально главный персонаж фильма (Мацек) кажется безмозглым пижоном, убивающим людей ради удовольствия.

Продолжив просмотр фильма, мы знакомимся с трагедией 24-летнего идеалиста, несостоявшегося студента Политехнического университета, чья жизнь была разрушена войной. Потеряв родных, бросив книги и взяв в руки автомат, Мацек лишается своего человеческого облика. Но в день, когда аристократы и коммунисты собрались вместе и празднуют окончание войны, он влюбляется в Кристину и снова обретает свой человеческий облик. Мацек больше не хочет убивать, но с 9 мая 1945 он больше не герой Сопротивления, а «проклятый солдат», подлежащий уничтожению.

Товарищ Щука изображен нравственным собратом Мацека. Пламенный коммунист, начавший свою карьеру с Гражданской войны в Испании, но искренне желающий построить в Польше «социализм с человеческим лицом». Война отняла у него сына, причем не в физическом, а в идеологическом смысле. Теперь его сын стал врагом новой Польши и перед отцом встанет ужасный выбор – остаться коммунистом или остаться человеком.

По мнению режиссера, подтвержденному историей, будущее Польша принадлежит не идеалистам и благородным, а подонкам и карьеристам. В этом смысле показателен персонаж пана Древновского – оппортуниста, пытающегося усидеть на двух стульях. Элита Польши находится не на поле бое, а сидит и безобразно напивается в банкетном зале гостиницы Вроцлава. А примерно в это же время тюрьмы Польши заполняются новыми врагами народа, которым пока только дают пощечины.

8 мая 1945 года подойдет к концу и наступит рассвет нового дня и в Польше начнется новая война. Много людей будет убито своими вчерашними соотечественниками для того, чтобы сменить одну диктатуру на другую. В новой Польше не будет места ни для Мацека, ни для товарища Щуки, их место займут многочисленные паны Древновские. Цитируя стихотворение Циприана Норвида, из которого было взято название фильма, нет, из пепла нам не блеснет алмаз.

Международные критики назвали «Пепел и алмаз» одним из лучших польских фильмов. К подобным заявлениям нужно подходить со здравым скептицизмом, но в этот раз можно согласиться с этим утверждением. «Пепел и алмаз» получился фильмом, который не устарел и поднятые им вопросы не теряют своей актуальности. Посмотрите этот фильм и если он вызовет у вас эмоциональный отклик, то Анджей Вайда не зря прожил свою жизнь.

Некоторые критики охарактеризовали фильмы трилогии Кшиштофа Кесельвского «Три цвета» как анти-трагический, анти-комедийный и анти-романтический. Фильм Анджея Жулавского «Прощальное послание» можно охарактеризовать как анти-биографический.

Практически ни один фильм Анджея Жулавского не обходился без скандала. В 1992 году, в год выхода «Прощального послания», французские критики обвинили польского режиссера в неуважении к французской культуре за неуместный образ Баронессы Амандины Авроры Люсиль Дюпен, более известной под именем Жорж Санд. По мнению снобствующих критиков, Анджей Жулавски изобразил значительных лиц французской и европейской культуры как капризных детей, не имеющих ничего общего с их общепринятыми идеализированными портретами и биографиями.

При этом, высокопарные критики так и не удосужились понять, что Анджей Жулавски не собирался снимать очередную идеализированную биографию. «Прощальное послание» снималось как фильм об искусстве, в особенности о музыке, а не о людях, его творящих. Основным мотивом «Прощального послания» является музыка Фредерика Шопена. В течение всего фильма, уже смертельно больной польский композитор, живший в доме Жорж Санд, работает над новыми музыкальными произведениями. Действие фильма подчинено музыке Шопена, а все остальные события в имении Жорж Санд напоминают сюжеты классических чеховских пьес.

По мнению Анджея Жулавского, экранизированные великие персонажи прошлого напоминают марионеток в кукольном театре. Каждый из персонажей фильма просто исполняет свою роль и следует своему известному стереотипу. Режиссер точно перенес на пленку портрет каждого исторического лица. Анджей Жулавски изобразил Жорж Санд как «курящую сигары, непривлекательную и неженственную», Соланж Санд как капризную и обделенную талантом матери, Фредерика Шопена как смертельного больного ипохондрика. Но, еще раз повторюсь, для режиссера образы творцов были вторичны.

В одном из интервью, Анджей Жулавски сказал, что он не подчинялся «ни коммунизму, ни капитализму» и в очередной раз точно перенес на пленку свои мысли и идеи. Давайте позабудем высокопарных критиков (включая меня), говорящих «об истерическом эксцессе Анджея Жулавского» или обвиняющего его в богохульстве или еще каком-нибудь грехе, а просто почтим его память просмотром его фильмов. Если его фильмы смогут вызвать у вас позитивный или негативный отклик, то он не зря прожил свою жизнь.

Люди всегда были увлечены поиском тайного, глубинного. В почти каждом, даже самом банальном, фильме, практически любой уважающий себя критик, профессиональный или диванный (включая себя), пытаемся найти двойное дно, глубинный смысл. Данный недуг не обошел стороной и высшие слои общества. Сколько историй мы слышали, читали или смотрели про мошенников, успешно выдававших себя за пророков, чудотворцев или экспертов.

Всю свою жизнь садовник Чонси Гарденер прожил в вашингтонском доме. Хозяин дарил Чонси телевизоры, разрешал носить хозяйскую одежду; горничная каждый день кормила Чонси. Садовник не умеет ни читать, ни писать, он только смотрит телевизор и никогда не покидал стен дома. Но в один день хозяин умирает и Чонси оказывается на улице. Волей судьбы Чонси попадает под машину и оказывается в доме богатого и влиятельного финансиста Бэна Ранда. Умирающий финансист и его супруга принимают немногословность садовника за образованность, его цитаты о садоводстве за тонкие метафоры о состоянии экономики США, его «советы» начинает цитировать Президент США…

По моему мнению, режиссер и сценарист в образе Чонси Гарденера сделали тонкую пародию на большинство представителей современного общества. Единственным источником знаний для Чонси Гарденера является телевизор, он никогда не брал в руку ни книгу, ни ручку. Он не знает о мире ничего, кроме того, что видел на телеэкране. Благодаря своей наивности и интеллектуальной ограниченности он становится идеальным телегероем для миллионов зрителей. При этом, он остался добрым и незапятнанным ребенком. Посмотрев этот фильм, понимаешь, откуда взялся прообраз  для Рэймонда в «Человеке дождя» и Форреста Гампа.

Фильм был снят в 1979 году, в завершающий год «десятилетия скандалов и разоблачений» (Уотергейт, Операция «Кондор», Операция «Хаос»). Авторы не могли не обойти стороной главную особенность того десятилетия. С того момента, как Чонси попадает в высший свет, его начинают считать то тайным миллиардером, то шпионом, то экономическим гением. Поиском данных о Чонси занимаются и правоохранительные органы, и разведчики, и журналисты, и иностранцы.

С другой стороны, фильм показывает нормальность в самом неожиданном ракурсе. Чонси Гарденер остается самим собой и в высшем свете. Пока все заняты погоней за деньгами, властью или поиску данных о Чонси, он по-прежнему думает о деревьях и садах. Чонси искренне любит своих благодетелей и никогда не замыслит или совершит зла. Он единственный кто не гоняется за деньгами, властью или иными эфемерными вещами, а находит удовольствие в простых вещах.

Я совершенно случайно наткнулся на этот фильм и не пожалел об этом. «Будучи там» получилась умной и тонкой картиной, не потерявшей своей актуальности. Надеюсь, что в данной рецензии не был превышен уровень критической массы СПГС.